Lista de proyectos 2026

El marco teórico y referencial de la obra es amplio y de extremos dado que el tipo de obra enlaza elementos de extremos como son la tecnología y el misticismo. Desde conceptos establecidos y con respaldo científico a pseudo ciencias, elementos místicos y simbólicos surge la idea de drone visual.
El drone sonoro es la armonía mas antigua de la humanidad, el pulso estático del que venimos, a la vez que genera fenómenos estudiados como estados de trance por arrastre de frecuencias (entreinment). En lo concreto el concepto de Drone aplicado al diseño sonoro de artísticas de La Monte Young (tonos estáticos sostenidos con desarrollo en capas) a Karlheinz Stockhausen (la suma de ondas senoidales para generar un tono masivo) y por otro lado los sonidos o ritmos Binaurales y sus efectos estudiados por el biofísico Gerald Oster y mantras místicos, como los canticos tibetanos o rituales instrumentales.
En cuanto a la imagen que se compone el enfoque esta en la generación de imágenes digitales que remitan al drone pero en términos visuales. Mándalas electrónicos que evocan la naturaleza pictórica de la experiencia mística. Para esto me resulto pertinente hacer uso de lógicas de generación de imagen electrónica de pioneros como John Whitney, Norman McLaren y Larry Cuba. Gráficos basados en funciones matemáticas con microvariaciones.
El drone sonoro y las imágenes se combinan para generar un drone visual que aplicado a largo del tiempo que determinan una dosis de trance tecno místico simulado.
Todo esto es generado por una maquina tipo kiosko/standalone salido de una película de ciencia-ficción 2yk.

“En silencio, para no despertar a nadie” evidencia lo que sobrevive y queda después de un suicidio. El recuerdo de la persona que murió sufre un inevitable proceso de oclusión y erosión en nuestra memoria hasta ser prácticamente olvidado: intentamos acceder a los recuerdos, pero éstos parecen estar progresivamente más ocultos detrás de un velo que no puede ser levantado.

Busco construir "crisálidas" similares a los de varias especies de insectos, los cuales en vez de tener una criatura adentro están llenos de las memorias de quienes ya no están, y aparenten estar a punto de romperse.

Sin embargo, esta ruptura/emergencia nunca sucede, y el recuerdo queda en un estado de desgaste hasta lentamente apagarse por completo.

The Substance - Coralie Fargeat
Den stygge stesøsteren - Emilie Blichfeldt
La Metamorfosis - Franz Kafka
Diego Bianchi
Fernanda Laguna

Mi nombre es Dante Bruno Tiseira y soy un estudiante de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU-UBA).
Estoy cursando el último año de mi carrera, haciendo la materia de Proyecto Audiovisual 4 (PAV4) dentro de la cátedra Campos / Trilnick.

El Marinero toma como punto de partida la obra homónima de Fernando Pessoa y traslada algunos de sus elementos narrativos al lenguaje de la danza. De allí surgen los tres personajes femeninos, la situación de encierro y el recorrido por la memoria durante una noche, así como la figura del marinero, que en nuestra obra se transforma en una presencia que atraviesa todo el universo narrativo.
La investigación sobre el cuerpo parte de dos referentes puntuales. Por un lado, Pina Bausch, por la manera en que El Marinero construye su narrativa a partir del cuerpo y de la relación entre los distintos lenguajes escénicos. Nos interesa especialmente cómo el movimiento puede construir una situación y transmitir una emoción sin depender de una narración lineal. Por otro lado, el trabajo de Damien Jalet, particularmente Les Médusés y STORM II. De Les Médusés tomamos la tensión entre un cuerpo vivo y un cuerpo aparentemente detenido, mientras que de STORM II nos interesa especialmente la repetición y sincronización de los cuerpos, y la manera en que un conjunto puede funcionar como una única entidad que se expande y se contrae.
La voz y la narrativa tiene como referente principal el álbum The Head Hurts but the Heart Knows the Truth, de Headache, Vegyn y Francis Hornsby Clark. Tomamos de allí la construcción de un relato hablado a partir de recuerdos, asociaciones y situaciones absurdas sobre una base electrónica. En El Marinero, la voz funciona de manera similar: avanza por asociaciones, fragmentos y desvíos, haciendo que lo cómico y lo inquietante convivan y que la percepción del personaje se vuelva cada vez más difícil de distinguir del recuerdo.
La dimensión visual de la obra se vincula especialmente con la exploración de los espacios digitales de Jon Rafman. Sus recorridos por paisajes virtuales y fragmentos de una realidad reconstruida son un punto de partida para la creación de los espacios de El Marinero: lugares reconocibles que aparecen incompletos, alterados y extrañados, como si fueran reconstruidos por una memoria que no consigue recuperar lo que alguna vez percibió. Esta dimensión dialoga temáticamente con ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de Philip K. Dick. La obra retoma de allí el territorio ambiguo, donde no siempre es posible distinguir entre lo vivido, lo imaginado y lo reconstruido.

Pedro Fernández, 2004 CABA, formado en FADU DIS y como técnico en sonido en TECSON, se desarrolla como director creativo en proyectos musicales y como diseñador en proyectos que mezclan el diseño audiovisual y la arquitectura.
Nicolás Godoy, 2004 Buenos Aires, formado en FADU DIS, se desarrolla como animador 3D en cortometrajes y contenido multimedia.
Lucas Martínez, 2004 CABA, formado en FADU DIS, autor de “Estética Tarantino” de Wolkowicz Editores y coautor de “Máquinas de matar: Historia del psicokiller” de Cuarto Menguante Ediciones.

Última imagen disponible es una instalación que busca poner en tensión el registro satelital del mundo, partiendo de la creencia de que una acumulación de información sobre el mundo no lleva necesariamente a una mejor comprensión de él.

La superficie terrestre es fotografiada de manera constante por satélites y por miles de cámaras públicas que transmiten sin interrupción. Estas imágenes se presentan como objetivas y neutrales, pero son producidas y leídas por sistemas automáticos que reducen lo que observan a datos medibles. La obra reúne este tipo de registros en tres pantallas colgadas: imágenes de satélites geoestacionarios, recortes satelitales en alta resolución y cámaras de seguridad. En todas aparece un mundo vacío, sin personas, donde los dispositivos siguen generando imágenes aunque nadie las mire. Sobre las cámaras surgen por momentos cajas de detección, como un sistema que insiste en buscar algo.

El recorrido propone un desplazamiento entre escalas, del planeta entero a un lugar registrado por una cámara de seguridad. Cada acercamiento funciona como una insistencia en mirar más de cerca esperando encontrar algo, y hallar en cada nivel el mismo vacío. Tanto la imagen satelital como la de vigilancia muestran algo que siempre está por suceder, y el título remite a esa búsqueda de una última imagen que nunca termina de llegar. La obra se detiene en esa espera, y en la distancia entre todo lo que se registra y lo poco que esas imágenes dicen del mundo.

Laura Kurgan. De Close Up at a Distance (2013) tomo la idea que da título al libro: la imagen satelital permite ver algo muy de cerca, pero siempre desde muy lejos. Kurgan muestra que estas imágenes no son fotografías en sentido tradicional, sino composiciones armadas con datos de distintos momentos y resoluciones, que se presentan como una vista continua del mundo. También plantea que en el zoom no hay una escala correcta ni un punto donde detenerse, y que ninguna escala está anclada en lo humano.
Trevor Paglen. De sus fotografías de satélites tomadas desde tierra y de su trabajo sobre visión de máquina tomo la pregunta por quién mira en estas imágenes.
Harun Farocki. De Eye/Machine tomo el concepto de “imagen operativa”: imágenes producidas por máquinas para ser leídas por otras máquinas, sin composición ni intención estética.
Hito Steyerl. El análisis que hace en "En caída libre" (2011) sobre la perspectiva vertical y la mirada desde arriba como forma dominante de ver el mundo, que desplaza al observador situado.

Pedro Segalerba nació en Santa Rosa, La Pampa, y vive en Buenos Aires. Es estudiante de Diseño de Imagen y Sonido en la FADU-UBA.
Su trabajo parte de una curiosidad por cómo las tecnologías registran el mundo y por lo que esos registros dejan afuera. Le interesa la distancia entre las imágenes y lo que muestran, y cómo los datos y las representaciones influyen en la forma en que vemos y recordamos. Le interesa en especial lo digital, donde cada imagen es antes un conjunto de datos. Trabaja en el cruce entre imagen, datos y programación, muchas veces a partir de datos abiertos que recopila y procesa con herramientas propias.